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Tele, grandi tele invase dal colore. Pittura astratta. E già una multitudine di immagini, di cui è cosparso il nostro immaginario, prende il sopravvento: 

il punto e a capo irreversibilmente posto da Kazimir Severinovič Malevič , le bande di colore di Markus Rothkowitz, gli enigmatici sgocciolamenti- e sconfinamenti- operati su superfici  gigantesche da Paul Jackson Pollock; solo per citare alcuni dei più celebri rappresentanti della vocazione all’astrattismo che ha attraversato quasi per intero il novecento. E ancora altri nomi : Wilhelm Worringer, Clement Greenberg,Harold Rosenberg. I grandi teorici che difesero, interpretarono ed elevarono a canone  il linguaggio astratto. Retrospettivamente si può dire che la vittoria dell’astrattismo sulle altre spinte che operavano intorno all’arte figurativa novecentesca fu quasi totale, resa incondizionata. Impossibile quindi non confrontarsi con il lascito di questa tradizione. Impossibile anche se sei un giovane pittore nato a Karlovo, in Bulgaria, e cresciuto a Tuscania, un piccolo borgo nel cuore della Tuscia. Le prime opere di Aleksandar Stamenov. apparentemente sembrano perfettamente assimilabili all’astrattismo: non emergono con nitidezza figure, le dimensioni dei quadri sono ampie. Eppure. Eppure già in questa fase giovanile, inesperta, la cifra espressiva pare prendere il predominio sulla volontà ascetica imposta dalla forma. Si percepisce lo sfogo, l’attitudine alla scoperta, l’impossibilità di sapersi porre un freno. Più che al puro astrattismo queste opere richiamano alla mente l’amore viscerale per il colore del tedesco Emil Nolde. Ricordano anche l’avidità del bambino di fronte al foglio bianco, l’intenzione di chi è spinto dal desiderio di sperimentare l’intera gamma cromatica per impadronirsene. L’impostazione verticale dei quadri- data spesso da linee erette e spezzate – suggerisce una trascendenza e allo stesso tempo manifesta l’idea di una spazialità. Ad uno sguardo più attento l’assenza di figure non è vera assenza, è oblio. Ombre remote fanno capolino, sbiadite eppure presenti. Non vi è piattezza ma dimensione, ricordo, sovrapposizione.

Altri esperimenti, questa volta sulla materia e la corposità del colore ricordano l’opera di Burri e la sua ossessione per la tridimensionalità dell’opera figurativa. Il primissimo Stamenov è un esploratore dei suoi mezzi, della vastità del potenziale di “un foglio bianco”. Quando le “presenze” emergeranno dallo sfondo e lo sfondo verrà annientato da esse, come nelle più recenti tele dell’artista in cui le figure si stagliano sul bianco, due elementi di questa fase iniziale saranno destinati a permanere: l’impostazione verticale del quadro e il protagonismo del colore. La prima “presenza” a comparire è quella deformata del pittore. I due autoritratti del 2015 segnano il passaggio, che si rivelerà decisivo, verso la rappresentazione figurativa. Queste due opere sembrano suggerire una ricerca di identità che va al di là del riassetto esistenziale che caratterizza qualsiasi impulso all’autorappresentazione. In esse è ravvisabile il tentativo dell’artista di trovare un linguaggio suo proprio, linguaggio personale che, in effetti, ben presto giungerà ad una sua prima maturazione in opere come “La Richiesta” o “il fumatore”. Lo stesso soggetto appare posto in entrambi i quadri in primo piano, lo sfondo c’è ancora ma già minaccia di scomparire nell’irreale con le sue linee oblique e i suoi toni pop-artificiali. Il colore, che riempie ogni anfratto, scolpisce la “presenza” in primo piano la quale si staglia- prende corpo- in netto contrasto con la piattezza che la circonda. Nel 2017 “le presenze” conquistano definitivamente l’interezza delle opere, immerse nel bianco eppure ancora indefinite. Vacue, senza contorno. Un elemento centrale inizia ad imporsi nelle opere dell’artista l’anno seguente: un posto in cui i corpi possano finalmente permanere. Divani, poltrone sedie tengono ancorate figure altrimenti immerse nel vuoto, nel bianco nulla.